🎬 Envie de découvrir des films pour cet été ? 🌞

Sur le blog Boulevard de culture, les étudiants de 2e année de filologie romane partagent avec vous leurs critiques passionnées et recommandations cinématographiques !

Que vous soyez attiré par des drames psychologiques poignants (Une vie volée, Chien bleu), des chefs-d’œuvre portés par la musique (Amadeus, The Greatest Showman), des récits émouvants (Blue Jay, La faute dans nos étoiles, Le Pianiste, Światłoczuła/Photosensible) ou encore par des contes féériques et inspirants (Le Robot sauvage, Lilo et Stitch), chaque texte vous propose un regard personnel, sensible et engagé sur des œuvres cinématographiques marquantes.

💡 Vous trouverez aussi des suggestions plus inattendues, comme le film d’horreur historique The Witch (La Sorcière), la comédie satirique Docteur Folamour ou : comment j’ai appris à ne plus m’en faire et à aimer la bombe ou le film culte La Haine.

➡️ Ces critiques sont authentiques, écrites avec le cœur – parfois avec humour, souvent avec émotion, toujours avec sincérité.

Que vous soyez un cinéphile passionné ou simplement un spectateur curieux, c’est le moment parfait pour découvrir les pépites cinématographiques de l’été ! 🍿🎬

🔗 Ne tardez plus : plongez dans les recommandations et laissez-vous surprendre par votre prochain coup de cœur cinématographique ! 💙 (AK)

« Blue Jay » est un film américain réalisé par Alex Lehmann. C’est une histoire simple et émotive. Jim retourne dans sa ville natale après la mort de sa mère. Là, il rencontre Amanda, son amour de jeunesse. Ils ne se sont pas vus depuis vingt ans. Par hasard, ils passent une journée ensemble. Ils parlent, rient, se souviennent de leur passé. Très vite, les émotions reviennent.

J’ai aimé ce film parce qu’il est très humain. Il montre que les sentiments du passé peuvent revenir facilement, même après beaucoup d’années. Le film est en noir et blanc, ce qui donne une ambiance nostalgique. Il n’y a pas beaucoup de musique ni d’action, mais on ressent tout grâce aux regards, aux silences et aux mots simples.

Les personnages sont bien joués. On croit à leur histoire. Jim est gentil, un peu perdu. Amanda semble plus forte, mais elle cache ses émotions. Ensemble, ils partagent des souvenirs drôles, tristes et tendres. Une scène que j’ai particulièrement aimée, c’est celle où ils réécoutent une vieille cassette enregistrée à l’époque de leur jeunesse. C’est à la fois drôle et triste. La fin du film est ouverte. On ne sait pas ce qu’ils vont devenir. Mais ce n’est pas important. Ce qui compte, c’est ce moment passé ensemble.

« Blue Jay » est un film touchant et sincère. Il montre que le passé reste parfois dans notre cœur, même si la vie continue. Je le recommande à ceux qui aiment les histoires simples mais profondes. /Emilia Azierska/

Notre petite éternité

Le film qui restera longtemps gravé dans ma mémoire est le drame romantique américain de 2014, réalisé par Josh Boone, qui est une adaptation du roman de John Green La Faute dans nos étoiles. Peu de gens le savent, mais ce titre fait référence à la célèbre citation de Jules César, dans la pièce de Shakespeare, acte I, scène II : « La faute, cher Brutus, ne réside pas dans nos étoiles, mais en nous-mêmes. » Lorsque j’ai décidé de regarder ce film, je ne savais pas qu’il allait me faire ressentir autant d’émotions !

C’est l’histoire de Hazel (Shailene Woodley), atteinte d’un cancer de la thyroïde, qui rencontre Gus (Ansel Elgort), amputé d’une jambe. Leur combat contre la maladie les rapproche et, avec le temps, ils tombent de plus en plus amoureux l’un de l’autre. Ne pensez pas qu’il s’agit d’une énième comédie romantique ennuyeuse… C’est une histoire profondément émouvante sur la force qu’un être humain doit avoir pour surmonter les obstacles, vaincre ses démons intérieurs, et affronter la peur de l’avenir.

Les acteurs ont interprété leurs rôles de manière remarquable, et l’on sent qu’ils ont réellement cherché à insuffler le plus de sensibilité possible à leurs personnages. Je pourrais parler longuement des différents thèmes abordés dans le film, de la raison pour laquelle les personnages se retrouvent à Amsterdam, et du rôle qu’y joue un célèbre écrivain, mais je pense que le mieux est de le découvrir par vous-même.

Je suis consciente qu’il existe de nombreux films sur l’amour, mais celui-ci le traite d’une manière unique. En regardant Hazel et Gus, j’avais l’impression que leur amour était comme le plus beau papillon qu’ils avaient réussi à attraper un instant, tout en sachant qu’ils devraient bientôt le laisser s’envoler. Il ne faut pas se laisser tromper par la fin du film. Comme le dit John Green : « Certaines infinités sont plus grandes que d’autres. » Ces deux héros n’ont pas terminé leur histoire de manière triste, mais ont créé leur propre petite et belle éternité. /Aleksandra Kluziak/

The Witch : quand la peur prend son temps

The Witch, réalisé par Robert Eggers en 2015, est un film d’horreur psychologique très différent des autres. Il se distingue par son atmosphère oppressante, sa précision historique et son approche originale du surnaturel. Ce film est l’un de mes préférés : il dépasse les codes classiques du genre et nous plonge dans un monde imprégné de mal.

L’histoire se déroule au XVIIᵉ siècle, en Nouvelle-Angleterre. Une famille puritaine, bannie de sa communauté, s’installe près d’une forêt inquiétante. Peu à peu, des phénomènes étranges surviennent : un bébé disparaît, les récoltes pourrissent, la tension monte. La fille aînée, Thomasin (interprétée brillamment par Anya Taylor-Joy), est bientôt soupçonnée d’être une sorcière.

Ce qui rend The Witch si unique, c’est son réalisme historique impressionnant : le langage, les costumes, les décors, et même la lumière naturelle plongent le spectateur dans une époque où la peur de Dieu et des forces occultes dominait les esprits. Eggers s’inspire de véritables documents de procès en sorcellerie pour écrire ses dialogues, ce qui donne au film une grande authenticité.

Le film explore aussi des thèmes puissants comme la foi fanatique, la culpabilité, le désir féminin réprimé et la peur de l’inconnu. Il ne s’agit pas d’un film d’horreur classique avec des jump scares, mais plutôt d’une lente descente dans la paranoïa, où le danger vient autant de la forêt que de la famille elle-même. La peur y est construite progressivement, à travers une atmosphère lourde, marquée par le mal incarné.

Enfin, la bande sonore minimaliste et angoissante, les silences pesants et la mise en scène précise renforcent l’ambiance sinistre et inoubliable. Le dernier acte, audacieux et symbolique, offre une fin à la fois dérangeante et puissante. /Justyna Pałka/

« Une vie volée »

Dès les premières minutes, Une vie volée m’a profondément touchée. Ce n’est pas un film facile à regarder, mais il m’a laissé une forte impression. J’ai plutôt aimé ce film, même si certains moments m’ont dérangée — et c’est justement ce malaise que je considère comme sa force. On découvre Susanna, une jeune femme enfermée dans un hôpital psychiatrique à la fin des années 1960. J’ai aimé cette histoire qui parle de santé mentale, d’identité, de souffrance, mais aussi de rébellion. Ce n’est pas une histoire agréable, mais elle est nécessaire, car elle pousse à la réflexion.

Les personnages sont vraiment puissants. J’ai été impressionnée par Lisa, interprétée par Angelina Jolie. Elle est à la fois fascinante et terrifiante. Je ne me reconnais dans aucun des personnages, mais j’ai ressenti beaucoup d’empathie pour Daisy, une jeune fille extrêmement fragile. Son histoire m’a bouleversée, et la scène de sa mort m’a laissée sans voix.

J’ai aimé la fin du film, car elle est ouverte. Susanna quitte l’hôpital, mais rien ne garantit qu’elle est guérie. Cela m’a laissée dans une profonde réflexion : qu’est-ce que la normalité ? Le message du film est fort. Le réalisateur aborde la complexité de la maladie mentale et ce que la société considère comme acceptable ou non. C’est un film sur le regard des autres, mais aussi sur le besoin de se comprendre soi-même.

Le décor est sobre et froid, ce qui renforce le sentiment d’enfermement. La mise en scène utilise beaucoup de gros plans, notamment sur les visages, ce qui permet d’exprimer les émotions brutes des patientes. La caméra est souvent instable, ce qui accentue l’impression de tension.

En résumé, c’est un film qui dérange, qui fait mal parfois, mais qui fait réfléchir. Il ne cherche pas à donner des réponses toutes faites, et c’est ce que j’ai adoré. Ce film restera longtemps dans ma mémoire. /Zuzanna Majka/

Un rêve en musique et en couleurs

J’ai beaucoup aimé « The Greatest Showman », un film musical inspiré de la vie de P.T. Barnum. Ce film m’a touché par son énergie, ses chansons entraînantes et son message sur la différence et l’acceptation de soi. Je trouve que l’histoire est très inspirante. On suit un homme qui, malgré ses origines modestes, rêve de créer quelque chose d’extraordinaire. J’ai aimé cette histoire qui parle de rêves, d’ambition et de reconnaissance. Même si certains passages sont un peu idéalisés, cela ne m’a pas dérangé car le film assume son côté « conte moderne ».

Les personnages sont attachants. J’ai particulièrement aimé le personnage de Lettie, la femme à barbe, car elle incarne le courage de s’affirmer tel que l’on est. On peut aussi facilement s’identifier à Barnum qui, comme beaucoup de gens, veut prouver sa valeur au monde. Le rythme du film est très dynamique. Les scènes musicales s’enchaînent rapidement, on ne s’ennuie jamais. J’ai trouvé que les chansons faisaient avancer l’histoire tout en exprimant les émotions des personnages. La fin du film est plutôt ouverte. Même si Barnum réalise ses rêves, on sent qu’il reste encore des défis à surmonter. Cela permet au spectateur d’imaginer la suite de son parcours.

Le message du film est clair. Il faut croire en ses rêves, accepter les autres comme ils sont et ne pas avoir honte de sa différence. Ce message est très touchant et important aujourd’hui. Le décor et le contexte du film sont magnifiques. On est plongé dans l’Amérique du XIXe siècle, avec ses costumes, ses rues animées, son cirque coloré. Cela ajoute beaucoup à l’ambiance du film. La mise en scène est très réussie. Le réalisateur utilise souvent des mouvements de caméra fluides et des chorégraphies impressionnantes pour accentuer l’effet de spectacle. Chaque chanson devient un moment fort du film.

En conclusion, « The Greatest Showman » est un film que je recommande vivement. Il m’a fait rêver, chanter, réfléchir. Ce n’est pas seulement un spectacle visuel, c’est aussi une belle leçon d’humanité.  /Aleksandra Świerczek/

La musique qui fait mal – Amadeus de Miloš Forman : une mélodie d’âme, de génie et de jalousie 

Il y a dans Amadeus, ce chef-d’œuvre de Miloš Forman sorti en 1984, quelque chose qui dépasse la simple histoire d’un compositeur. C’est une immersion dans un monde où le génie rime avec solitude, et où la jalousie brûle plus fort que la lumière.

Le film nous emmène dans le XVIIIᵉ siècle viennois vibrant de musique, de splendeur et de rivalités silencieuses. Mais c’est Prague, avec son charme intact, qui prête ses rues pavées et ses théâtres à cette fresque grandiose, offrant une toile de fond authentique, presque intemporelle. Le Théâtre d’État, où Mozart a véritablement créé Don Giovanni, devient ici un personnage à part entière, chargé d’histoire et de mystère.

La photographie de Miroslav Ondříček joue avec la lumière naturelle des chandelles, enveloppant chaque scène d’une douceur presque palpable. Ombres et clarté se répondent avec élégance, révélant les âmes troublées de Mozart et Salieri dans toute leur complexité. Les costumes, signés Theodor Pištěk et récompensés par un Oscar, parlent sans un mot. Mozart s’habille de couleurs vives et audacieuses, comme sa musique, tandis que Salieri se pare de tons sombres, reflet de son âme tourmentée. Ce contraste visuel donne vie à leur combat intérieur, palpable à chaque instant.

Mais c’est la musique qui est la véritable étoile du film. Elle n’accompagne pas seulement les images, elle les transcende. Lorsque Salieri écoute le Requiem, ce n’est plus un simple morceau, c’est un cri du cœur, un écho de son admiration et de son désespoir mêlés.

Amadeus est une œuvre totale, où chaque détail, de la lumière au moindre souffle musical, s’accorde pour offrir une expérience sensorielle unique. Le film ne se veut pas un simple biopic fidèle ; il saisit plutôt l’essence d’un mythe, celui d’une rivalité qui n’a peut-être jamais existé, mais qui dévoile une vérité universelle : la lutte entre le talent et la jalousie, le désir d’être reconnu et la douleur d’être éclipsé.

Forman ne juge pas, il observe avec une tendresse lucide, laissant transparaître la fragilité et la grandeur de ces deux âmes en miroir. Pour finir, Amadeus n’est pas qu’un film, c’est une invitation à ressentir, à vibrer, à comprendre que la musique, ce langage universel, peut toucher ce qu’il y a de plus profond en nous, sans un seul mot, sans qu’on connaisse les notes. /Weronika Ziółkowska/

« La famille, ce n’est pas toujours le sang »

Le film « Lilo et Stitch » de 2022, réalisé par Dean Fleischer Camp, est une adaptation en prises de vue réelles du célèbre dessin animé Disney de 2002. L’histoire se déroule sur l’île hawaïenne de Kauai, ce qui donne au film une atmosphère unique, avec le soleil, l’océan et la culture locale. Ce film m’a beaucoup émue. Même si je connaissais déjà l’histoire, cette nouvelle version apporte de la fraîcheur et beaucoup d’émotion.

Ce qui m’a le plus touchée, c’est la relation entre Lilo et Stitch. Leur amitié naît lentement et avec des difficultés, mais elle montre que même les plus différents peuvent devenir notre famille. La scène où Lilo dit : « ‘Ohana’ veut dire famille, et la famille signifie que personne n’est laissé de côté » m’a encore fait pleurer. Le personnage de Lilo est très réaliste et proche de nous – une enfant pleine d’émotions, pas parfaite, seule, mais forte. Stitch, bien qu’extraterrestre, devient très humain. Dans cette nouvelle version, il a un aspect plus réaliste, mais il reste mignon. Le rythme du film est plutôt régulier, même s’il y a quelques longueurs au milieu. Le début est rapide et drôle, puis viennent des scènes plus émotionnelles. Heureusement, la fin est très réussie : émouvante et pleine d’espoir.

La fin du film est plutôt fermée – on sait que les personnages restent ensemble, mais on peut imaginer leur avenir. Le message principal du film est que la famille, ce n’est pas toujours le lien de sang. C’est celle qui nous aime, nous soutient et reste avec nous, même s’elle vient d’un autre monde. Je recommande ce film – aux enfants comme aux adultes. Il montre que l’amitié, l’amour et la compréhension sont plus forts que les différences. /Daria Krzosa/

La couleur de la douleur

Le film « Chien bleu » m’a beaucoup émue. Il s’agit d’une adaptation cinématographique qui raconte l’histoire d’un homme souffrant de troubles psychiques et de son enfant qui tente de comprendre tout cela. C’était une histoire émouvante, et la manière dont elle a été présentée a suscité de vives émotions.

Le personnage du père, joué par Michel Pichon, était mon préféré dans cette adaptation. La façon dont l’acteur s’est imprégné du rôle, son regard perdu et ses gestes maladroits ont donné beaucoup d’authenticité à cette histoire. La peur des gens et de la vie en soi m’est assez familière, c’est pourquoi j’ai ressenti une grande empathie pour le personnage d’Émile. Même si la relation entre le père et l’enfant semblait perturbée et qu’ils ne parvenaient pas toujours à se comprendre, l’amour profond qu’ils se portaient mutuellement montrait ce qui est le plus important dans la vie.

Le rythme du film est lent, ce qui est particulièrement perceptible au début, lorsque le monde et la vie de la famille sont présentés, mais il est possible que ce soit précisément cette technique qui nous aide à nous plonger dans l’histoire et à la vivre comme si c’était la nôtre. L’ensemble du film et sa fin ouverte ne présentent rien de spécial ni d’évident, mais ils font que nous continuons à penser à cette histoire longtemps après l’avoir vue. Il est possible que ce soit justement le fait de laisser une fin ouverte qui incite les spectateurs à imaginer la suite de l’histoire et leur permette ainsi d’en faire partie.

Le décor est simple. On voit principalement l’intérieur de la maison, le village et la route. Cela nous permet de nous concentrer davantage sur les personnages principaux et leurs expériences. Au lieu d’enrichir le décor, le réalisateur s’est concentré sur quelques techniques qui aident à se mettre à la place du personnage. L’une d’entre elles est l’image instable, presque tremblante, de la caméra.

À mon avis, le message du film est avant tout instructif. Il aborde des thèmes importants dans le monde d’aujourd’hui, tels que les maladies mentales, l’amour entre un parent et son enfant, ainsi que la difficulté de maintenir des relations interpersonnelles.

En résumé, non seulement j’ai aimé ce film, mais il m’est surtout resté en mémoire. Il m’a incité à réfléchir et à essayer de comprendre le monde d’un autre point de vue. /Nikola Opałka/

Le Robot sauvage. Simplement magnifique

Ce film est un chef-d’œuvre ! Chaque moment est rempli d’émotions et on ressent tout très fort. Je n’ai vraiment trouvé aucun passage faible, ce qui est plutôt rare dans le cinéma d’aujourd’hui. Je suis impressionnée par l’histoire que le réalisateur a présentée avec tant de sensibilité. L’histoire m’a profondément touchée, donc, je ne suis pas surprise que la majorité des parents ressentent la même chose. J’adore aussi la bande sonore, qui s’accorde parfaitement avec l’atmosphère du film. Grâce à la musique, j’ai ressenti chaque émotion des personnages avec une grande intensité. Du début à la fin, le déroulement des événements est vraiment captivant et intéressant, ce qui fait que le film se regarde avec beaucoup d’attention. Comme l’histoire est simple, on peut se concentrer sur les relations entre les personnages, ce qui compte le plus.

Je trouve que tout le monde devrait regarder ce film et vivre la même expérience. /Katarzyna Gaździńska/

Docteur Folamour ou : comment j’ai appris à ne plus m’en faire et à aimer la bombe, la comédie noire du réalisateur Stanley Kubrick, est un film dont l’humour reste toujours actuel.
Sorti en pleine guerre froide, c’est une satire de la politique des années 60, se moquant de la course aux armements nucléaires et des tensions entre les États-Unis et l’Union soviétique. En particulier, Kubrick critique la doctrine de « destruction mutuelle assurée », qui sert de point central de l’intrigue.

L’action du film m’a semblé vraiment étonnante ; au fur et à mesure qu’elle progresse, les événements deviennent de plus en plus absurdes, même s’ils restent tragiques. Le film est fortement basé sur l’exagération de la réalité, le drame se concentrant sur la grandiose salle de commandement du Pentagone. Le jeu des acteurs est aussi marqué par cette amplification ; j’avais l’impression que presque tous les personnages étaient fous. Curieusement, le docteur éponyme, incarnant l’archétype du savant fou, n’apparaît que dans la seconde moitié du film. Son introduction soudaine marque un changement d’ambiance qui mène à la fin du film, où la destruction du monde devient inévitable. Cette dernière partie est particulièrement réussie, avec autant de tension que d’humour.

En résumé, Dr. Strangelove est un excellent mélange de sujets sérieux et de comédie. Ses événements et personnages absurdes étonnent, mais font aussi réfléchir ; malgré la forte exagération, le film permet d’en apprendre davantage sur la réalité de la guerre froide. /Mikołaj Kozik/

« Światłoczuła » – voir avec le cœur (1)
Le film Światłoczuła est un touchant film polonais qui parle d’art, d’amour et d’acceptation de soi. Le personnage principal est un jeune homme passionné de photographie. Il prend des photos avec un vieil appareil et une technique originale. Un jour, il rencontre une jeune fille aveugle qui travaille dans un centre éducatif. Elle est pleine de chaleur, de bonté et d’amour. Peu à peu, ils tombent amoureux l’un de l’autre. Ensemble, ils découvrent ce que signifie aimer et être aimé.

Le film montre les difficultés de la vie, mais aussi la beauté des relations humaines. C’est une belle leçon sur l’acceptation : il faut apprendre à s’accepter soi-même, mais aussi à accepter les autres avec leurs différences.

Les images sont magnifiques, pleines de lumière et d’émotion. La musique douce accompagne parfaitement l’ambiance du film. Les acteurs jouent de manière très naturelle et sincère, surtout dans les scènes entre les deux personnages principaux. Le rythme du film est lent, mais cela crée une atmosphère calme et réfléchie. Ce n’est pas un film plein d’action, mais une histoire qui touche le cœur. Elle nous fait réfléchir sur la sensibilité, la fragilité et la force de l’amour.

Je recommande ce film à tous ceux qui aiment les histoires profondes et humaines. Światłoczuła est un film qui fait du bien et qui reste longtemps en mémoire. /Nina Kłosowska/

« Światłoczuła » (2)

Pendant tout le film, je me suis posée une question : comment vivre sans jamais voir ? On peut imaginer, mais ce n’est pas pareil. Ça m’a rendue très émue. Ils se rencontrent pendant une séance photo. Robert est tout de suite attiré par elle. Il veut faire connaissance. Leur relation commence doucement, car ils communiquent de manière très différente. Agata parle beaucoup, elle s’exprime avec les mots, les sons, le toucher. Robert, au contraire, est silencieux, réservé. Mais peu à peu, ils apprennent à se comprendre. Ils tombent amoureux. Leur relation est très intime, pleine de tendresse et de proximité. C’est un amour sincère, profond, un peu différent, mais très beau. Robert l’emmène un jour à Berlin. Il dit que c’est pour son travail, mais en réalité il a pris rendez-vous chez un spécialiste pour Agata. Il espère qu’elle pourra retrouver la vue. Malheureusement, cela ne marche pas. Le médecin dit qu’elle ne verra jamais. Ce moment est très triste et m’a beaucoup touchée. On se rend compte à quel point la vue est précieuse, et qu’on l’oublie souvent.

Une scène m’a particulièrement émue : quand Robert offre à Agata un moulage de son visage, pour qu’elle puisse le toucher et savoir comment elle est. C’était un geste très fort, plein d’amour.

Ce film m’a fait réfléchir. Il parle d’amour, de handicap, de communication. Il montre que la vraie beauté ne se voit pas, elle se ressent. Je recommande ce film, car il est simple, touchant et humain. Il reste longtemps dans les cœurs. /Paulina Żabczyńska/

Réalisé par Roman Polanski en 2002, Le Pianiste raconte l’histoire de Władysław Szpilman pendant la Seconde Guerre mondiale. C’est un film qui m’a profondément marquée, qui a remporté la Palme d’or à Cannes et plusieurs Oscars. C’est une œuvre forte, dure, silencieuse, mais aussi pleine d’émotions.

Ce qui m’a touchée, c’est la solitude du personnage principal, Władysław Szpilman. J’ai eu peur pour lui à plusieurs moments, surtout lorsqu’il est seul dans les ruines de Varsovie, sans nourriture, sans espoir. Ce que j’ai le plus aimé, c’est la scène où il joue du piano pour un soldat allemand. Ce contraste entre la violence environnante et la douceur du piano est très puissant.

Le rythme du film est assez lent, surtout au début, mais je trouve que c’est important. On entre petit à petit dans l’histoire et dans l’ambiance. Ce qui m’a profondément émue, c’est la sobriété du film. Polanski ne cherche pas à provoquer des émotions faciles. Les scènes sont filmées avec retenue, ce qui rend la violence et la misère encore plus percutantes.

La performance d’Adrien Brody est exceptionnelle. Son regard exprime la souffrance, la peur, mais aussi la dignité. La musique de Chopin devient un symbole de résistance et d’humanité. J’ai aussi apprécié la fin du film, qui est fermée et laisse place à la réflexion. Le film pose une question essentielle : comment rester humain dans un monde où les principes moraux semblent avoir disparu ? Sans jamais glorifier la souffrance, Polanski nous montre la brutalité de la guerre, mais aussi la possibilité de survivre sans perdre son âme.

En conclusion, j’ai beaucoup aimé ce film, même s’il est difficile. Il m’a bouleversée, il m’a fait réfléchir, et je ne l’oublierai pas. C’est un film qu’on ne regarde pas seulement avec les yeux, mais aussi avec le cœur. Ce film est un véritable chef-d’œuvre. /Magdalena Potaczek/

La Haine

Il y a quelques mois, j’ai eu la chance de revoir le film La Haine de Mathieu Kassovitz au cinéma. C’était à l’occasion du 30e anniversaire du film, et même les cinémas commerciaux en Pologne ont proposé des projections spéciales. C’était une occasion incroyable de découvrir ce chef-d’œuvre pour la première fois ou de le redécouvrir avec un nouveau regard.

Personnellement, La Haine est l’un de mes films préférés. J’ai été très impressionné par la manière dont le réalisateur filme les scènes. Chaque plan semble parfaitement préparé et chaque mouvement de caméra est précis. On a l’impression que tout est calculé à la milliseconde. Je pense que ce film était remarquablement bien réalisé pour l’époque.

J’ai aussi beaucoup aimé les dialogues. Ils sont très naturels, ce qui rend les personnages crédibles. Certes, les dialogues sont souvent crus, mais ils reflètent fidèlement la réalité et l’authenticité de la banlieue parisienne où se déroule l’histoire. C’est brutal, mais vrai. Les acteurs jouent extrêmement bien. On oublie presque que ce sont des acteurs. On a vraiment l’impression qu’on suit trois vrais jeunes hommes dans leur quotidien difficile, entre colère, ennui et désespoir.

Je pense que ce film mérite d’être vu plusieurs fois. La première fois, on est pris par l’action. La deuxième fois, on peut mieux observer les détails, les symboles et certaines scènes spécifiques.

La Haine n’est pas seulement un film sur la banlieue, c’est une œuvre d’art engagée. Il reste d’une grande actualité, même 30 ans après, et je le recommande vivement à tous ceux qui aiment le cinéma fort, intelligent et sincère. /Jakub Przybylski/